今早在台灣時間8點，漫威影業在美國聖地牙哥動漫展（San Diego Comic-Con）上發布了漫威電影宇宙（Marvel Cinematic Universe, MCU）第四階段的上映時程和所包含的內容，這個發布相當重要，尤其是在《復仇者聯盟：終局之戰》後，面臨前三階段的角色和演員完成階段性任務，對於粉絲來說，接下來會看到什麼東西，這個電影宇宙要走向哪裡，還有誰要加入這個大家庭，都是值得期待的東西。
首先，隨著漫威影業總裁凱文費吉（Kevin Feige）登上舞台，便發佈了統整前三個階段的名稱與LOGO—“The Infinity Saga”。
“The Infinity Saga”統稱《鋼鐵人》到《蜘蛛人：離家日》的所有電影
接著，公開了第四階段影片的上映時間軸。 2020年有3部，2021年7部。
一次給你十部，嚇瘋
做為漫威電影世界觀（Marvel Cinematic Universe, MCU）第三階段的終結，同時也接續在《復仇者聯盟4：終局之戰》（Avengers: Endgame, 2019），《蜘蛛人：離家日》（Spider-Man: Far From Home, 2019）自然是承先啟後重要的一部作品。雖然蜘蛛人這個角色的版權依然在索尼身上，發行權也還在索尼影業，但既然是漫威電影世界觀的一份子，《蜘蛛人：離家日》依然有大量的彩蛋（Easter Eggs）隱藏其中，畢竟沒有彩蛋就不是漫威電影了。
既然如此，這一篇文章就帶大家來細數《蜘蛛人：離家日》的彩蛋和相關資訊吧！
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本文有大量劇情提及，若仍未觀賞《復仇者聯盟4:終局之戰》和《蜘蛛人：離家日》的朋友，建議先去觀賞這兩部電影，再回來閱讀本篇文章！
神秘客
《阿甘正傳》（Forrest Gump, 1994）金獎導演勞勃辛密克斯（Robert Zemeckis）睽違兩年終於推出了最新力作《馬克的異想世界》（Welcome to Marwen, 2018），這次勞勃辛密克斯回歸到他的拿手路線，將故事的重心聚焦在顯些邊緣、屈居弱勢的男子身上，開展出一部心靈療癒類型電影，一如勞勃辛密克斯的那些經典作品一樣，讓邊緣人物展現出他獨有的魅力。從《阿甘正傳》、《浩劫餘生》（Cast Away, 2000）的湯姆漢克（Tom Hanks），《機密真相》（Flight, 2012）的丹佐華盛頓（Denzel Washington）到《走鋼索的人》（The Walk, 2015）的喬瑟夫高登李維（Joseph Gordon-Levitt），如果你也曾在這些電影中看見導演綻放出這些男人邊緣孤獨卻充滿魅力的人生，那麼《馬克的異想世界》裡的史提夫卡爾（Steve Carell）也同樣能讓你有類似的體驗。
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除了走回溫馨路線，《馬克的異想世界》還結合了勞勃辛密克斯一直以來努力突破的動畫特效技術，將《回到未來》（Back to the Future, 1985）、《威探闖通關》（Who Framed Roger Rabbit, 1988）的視覺藝術以及《北極特快車》（The Polar Express, 2004）、《聖誕夜怪譚》（A Christmas Carol, 2009）的真人捕捉動畫技術結合在一起，把主角馬克內心世界和創造出來的人偶小鎮栩栩如生地呈現在螢幕上，能讓觀眾跟著動畫人偶進入馬克內心深處。同時，導演更安排了《回到未來》的彩蛋在電影當中，不僅天馬行空，更與導演的經典作品產生連結，會是影迷為之驚豔的安排。
《馬克的異想世界》改編自真人真事，描述主角馬克原本是一位藝術家，卻在酒吧被暴徒襲擊之後失去了大半的記憶，心理產生了極大的陰影，失去繪畫能力又忌憚社交的馬克於是寄情於人偶與攝影，把他的人生幻想成二戰時期的大兵經歷，把自家後院整理成比利時小鎮，並且透過相機將這一切化為故事。在他的故事中，有六位重要的女人，會在至關重要的時刻出手拯救大兵，這六位女人分別來自馬克日常生活中和他要好的朋友。
如果你只是看這部電影的簡介，或者是觀賞到這部電影的一半，肯定會很狐疑，這部電影到底是怎麼入選金馬奇幻影展的啊？《抱歉打擾你》（Sorry To Bother You, 2018）看起來就很像是《黑色黨徒》（BlacKkKlansman, 2018）的架構，透過輕鬆詼諧的筆法，諷刺社會現狀，整個很寫實，很難有『奇幻』的形容詞產生連結。《抱歉打擾你》的故事描述一名失業青年Cash應徵到了一個電話直銷的工作之後，意外地發現他的工作潛能，自此平步青雲的故事。但即便工作順利，Cash也發現了這個工作（或社會）對於黑人族群的不友善，社會階級分層嚴明，甚至到了最後，更發現了灰暗的企業陰謀。
《抱歉打擾你》是嘻哈歌手 Boots Riley進攻電影圈，擔任導演的處女作，初執導筒便從年初的日舞影展掀起話題，並延燒到年中院線上映，導演將這個充滿諷刺的社會寓言，透過繽紛的色彩和詼諧的敘事口吻，宛如糖衣包裝，呈現在觀眾面前，當觀眾將這部電影品嚐入口，便能感受到故事裡所針對的議題開展出來的黑色幽默。也因為這樣，《抱歉打擾你》並不是一部讓人看了感到沉重的社會議題電影，反而很直接的、很輕鬆的，像是一趟旅程一樣，隨著主角體驗社會人情冷暖。
電影裡的議題是很直接的，畫面的呈現也很直接，場景的轉換俐落而乾脆，加強詼諧趣味，例如電影開頭，Cash和女友在床上準備要翻雲覆雨的時候，你以為是牆壁的地方突然向上翻轉，街道上的人們出現在原本是牆壁的位置，原來Cash一直住在親戚家的車庫，這樣子的設計直接點出了角色的背景故事，也凸現了電影其中一個主題，那便是美國青年奮發努力卻仍然只能屈居一角的尷尬窘境，這些人尋找著自己的生活目標，反覆叩問自己生存的價值與意義。
Cash相較之下是比較幸運的，他得到了工作，獲得了賞識，但隨之而來的，是在這個肯定當中獲得了更多的否定，例如他必須偽裝出他的白人腔調才能獲取電話另外一端客戶的信任，電影場景隨著Cash每次播出一通電話而轉換一個地點，原本只聽得到聲音的狀況，變成了Cash面對面和客戶交談的樣子，看起來似乎是毫無遮掩的對談，被導演用白人（David Cross配音）的聲音蓋過去，不僅讓這個社會虛偽造作的樣子攤在陽光下，更讓種族議題用輕鬆的方式產上諷刺。也或許是因為初生之犢的關係，導演在使用這種場景切換方式之自由，毫無限制，讓這部電影有著和其他類似議題的電影不同的特質。
看起來還是不夠奇幻對吧？隨著劇情的推進，我們看見了電影裡這個社會逃避問題的種種荒誕，例如全國人民愛看的電視節目《I Got the Sh*t Kicked Out of Me》，看著裡面的人被鞭打，得到『笑』果，然後，就沒有然後了。甚至開始提到了這個國家最巨大的企業WorryFree，透過看似正派實則荒謬的廣告，對全國進行催眠，彷若大型的邪教，傳頌著被勞役的『好處』，看起來全國活在美好的氛圍下，主角Cash開始深入與WorryFree有所來往，不僅發現這間公司的紙醉金迷，更看見了大企業對於正義的踐踏，無視工作者的需求。隨後，舊式這部電影最奇幻的部分，WorryFree更試圖改造勞工結構，產生一個不會抱怨卻有高產值的族群。
充滿神秘色彩的國家瓦干達在他們的帝查卡國王不幸喪生後，他的兒子帝查拉準備繼承王位。在加冕典禮上，帝查拉成功地讓五大部落臣服，成為瓦干達新的國王，並獲得心型藥草的加持，成為『黑豹』。於此同時，黑市軍火商尤里西斯克勞竊走了大英博物館的一件館藏，而這件館藏是透過來自瓦干達的汎合金製成，此舉用意不明。加冕大典落幕不久，一名自稱是帝查卡弟弟尼喬布之子的男子－艾瑞克齊爾蒙格闖入瓦干達，在證明自己身分之後，誓以王族血脈取代帝查拉，成為瓦干達新的國王，並將以國王身分，派兵攻擊全世界。
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一如漫威電影世界的其他超級英雄起源電影一樣，《黑豹》（Black Panther, 2018）的故事架構相當的公式化，例如王權爭奪的大架構，我們在《雷神索爾》系列不管哪一集都見識過，和主角擁有同樣性質、可是通常擁有更高一點的技術、力量或是智慧的反派也是漫威系列最常見的型態，如果把這部電影改成莎士比亞類的宮廷劇，就成了《雷神索爾》，將這部電影的主角以綠巨人型態呈現，就是《無敵浩克》，甚至用昆蟲系來布置，這部電影就變成了《蟻人》。但也不能因為這點就稱《黑豹》是平庸之作，畢竟漫威會用這樣的劇情架構來妝點，除了依照漫畫劇情呈現以外，或許也是他們精心計畫過，最能夠在評價和票房之間取得雙贏的成功之路。
但是《黑豹》比起其他超級英雄起源電影更有深度一點的部分，就是讓這部電影能夠獨樹一格的原因。必須歸功這部電影夠黑。並不是全部都黑人來演出這部電影就算是政治正確，還必須言之有物才能夠獲得共鳴。身為一部特效強檔，它的故事雖非改編自真人真事，但是卻有效的反應出了黑人世界所遇到的困境。《黑豹》的故事本身在形塑帝查拉成為一個王者所具備的特質，不僅該具備力量、血統或是其他先天的素質，他更必須具有溝通的能力，聯絡國內各個部落，甚至心懷善念，知悉仁義。當帝查拉面對敵人的時候，不只用力量退敵，更了解敵人為何為敵，苦其所苦。
電影中保留並運用眾多非洲、黑人文化，夾雜在美式漫畫元素當中，充滿衝突也相當融合，這樣的運用恰恰解答了許多非洲國家人民的疑惑，接納和擁抱外來的文化並不一定只會讓自己的文化黯然失色，反而在新的文化與舊的文化產生激盪之下，不僅能看見更美的產物，更能珍惜自己原本的文化。投射到電影中瓦干達的國家政策，基於保護所採取的孤立政策轉變到開放，並走入國際，他們所得到的不只是外來文化的交流（雖然下一集薩諾斯就攻進去了），更讓自己的國家能夠奉獻心力，傳遞給周邊需要幫助的國家。
經典電影《星海浮沉錄》（A Star Is Born, 1937）在1937年推出，由奧斯卡最佳男主角得主佛德烈馬區（Fredric March）和奧斯卡最佳女主角得主珍妮蓋諾（Jannie Gaynor）主演，當年拿下了奧斯卡最佳原創劇本獎，此後，這套故事歷經了兩次的改編，故事從原本女演員的故事變成了歌手的經歷，1954年由詹姆士梅遜（James Mason）和茱蒂嘉蘭（Judy Garland）主演的版本應該是最為人所熟知，也最為成功的改編。而後則是1976年由克里斯克里斯托佛森（Kris Kristofferson）和芭芭拉史翠珊（Barbra Streisand）的《星夢淚痕》。
40年過去，演員布萊德利庫柏將這套劇本再次改編，不僅擔任男主角，更身兼了編劇、製片和導演等職，拍成了《一個巨星的誕生》（A Star Is Born, 2018），雖然已經是這個故事第四次搬上大銀幕了，但是從庫柏身兼多職到上映後每個宣傳都非常賣力，親力親為的每個細節，我們可以感受到庫柏對於這個故事的重視。的確，作為庫柏的導演處女座，《一個巨星的誕生》有著不少，也無法忽視的缺點，但是整體觀賞下來，卻是不過不失的佳作。也或許是庫柏這幾年來在好萊塢浮沉的經歷幻化成他的演技能量吧，我覺得這部作品當中的庫柏，展現了相當深沉穩重，而且相當有層次的演技，甚至比起前幾年他瘋狂被獎季提名的那幾部作品還來的精彩。長得帥就算了，還演而優則導、則唱，庫柏無疑是把自己有推上了事業的高峰。
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庫柏飾演的男主角是名事業如日中天的歌手傑克，但伴隨著名氣而來的，卻是排山倒海的生活壓力和大眾目光，於是傑克染上了酗酒的壞習慣和毒癮，這天，傑克酒癮發作，於是來到了附近的小酒館，卻意外遇見了在此表演的女子艾莉，傑克被艾利的歌聲深深吸引，於是邀請她來到他的演唱會，不只是觀賞，更是邀請她上台獻唱。在這個人人都有走紅機會的時代，艾莉台上的表演在網路上被瘋狂的轉傳點閱，瞬間成為家喻戶曉的人物，也因此被唱片公司相中。艾莉出道後迅速走紅，艾莉和傑克的私生活卻也因此被放大。
殷切期盼了多時，知名作家喬（強納森普萊斯飾演）終於接獲通知，他是這一年的諾貝爾文學獎得主，並受邀前往瑞典出席表揚典禮，喬與結縭四十餘年的太太瓊安（葛倫克蘿絲飾演）便動身前往瑞典。原本應該是一趟光榮又值得紀念的旅程，瓊安卻發現她面臨此生最大的衝擊，讓她這四十餘年所承受的壓力無所遁形。電影表面上看來是一名作家獲獎的故事，但實際上誠如本片的英文片名所示，主軸是圍繞在這名妻子的身上。出自瑞典導演比悠恩朗吉（Björn Runge）之手的電影《愛．欺》（The Wife, 2017），改編自作家梅格沃立（Meg Wolitzer）所著的同名小說，為了將這本小說搬上大銀幕，耗時了14年的時間，才讓電影能夠與全球觀眾見面。
14年的製作，用心度可見一班，尤其在劇本上就足見其細膩，雖然電影關鍵的轉折可以在前段就猜度出來，即便如此，編劇珍安德森（Jane Anderson）仍細膩地堆砌蛛絲馬跡，在眾多日常生活的橋段中，不著痕跡地將真相散落其中，沒有刻意造作的手筆。電影眾多的橋段皆發生在密閉的場景當中，不僅是暗指這夫妻不能言說的秘密生活，更將電影的氛圍包裹地密不通風，讓觀眾在一場接著一場沒有任何喘息餘地的戲碼中，迅速推進，並感受到緊繃的心情，而這樣的心情或許就是瓊安這個角色40餘年來的寫照。
也許，聰明如你的觀眾在觀影的過程中能輕鬆地猜測到這對夫妻生活的癥結是什麼，但是即便猜到了也還是可以很享受在這部電影100分鐘的篇幅當中，這必須歸功於這部電影強大的演員群，而葛倫克蘿絲無疑是最大功臣，有別於以往在大銀幕上剛強的形象，葛倫克蘿絲在《愛．欺》中飾演的瓊安並沒有為母則強那股銳利的氣勢，反而以非常柔軟低調的方式呈現出一名女性在扮演妻子和母親時，獨特而深不可測的包容力。瓊安一路陪同丈夫到瑞典受獎，這個過程看起來相當平淡，對話也極其日常，但是在劇情中的這個『謎底』揭曉之後，再回過頭來細細咀嚼葛倫克蘿絲的表情語言，原來一個笑容一個皺眉都顯現出了瓊安40年來背負的壓力、矛盾，無私付出卻再再被丈夫背叛、無視的無奈。
我特別喜歡開場夫妻倆接到電話通知，丈夫成為諾貝爾獎得主的這場戲，喬特別讓瓊安用分機在另外一頭第一手接收到這個喜訊，瓊安臉上充滿喜悅，但是電話那頭話鋒一轉，要瓊安不需要特別做什麼，只需要幫丈夫過濾當天的電話就好，瓊安的表情瞬間變得複雜，看起來好像是一個沒有什麼表情的表情，但層層堆疊起來的情緒，是成就觀眾看到後頭才能湧起來的後勁最重要的關鍵，她什麼都明白，卻什麼都忍耐，這是常人無法做到的事情。
葛倫克蘿絲甫在今年的金球獎上獲得劇情類最佳女主角獎的殊榮，在得獎感言上她是這麼說的：『我想起了我的母親，在她80歲的時候，她告訴我她覺得自己好像從未成就過什麼事情。』這段話非常符合電影中的瓊安，也很貼近生活中每一個付出自我的女性，她們花了大半輩子的時間工作養家、生兒育女，成為丈夫的靠山，肩負子女生活重擔，聽起來或許是老調重彈再重彈，但是有些人卻完全忽略了一件最重要的事情－『做自己』，等到人生已經邁入了老年，才驚覺自己錯過了些什麼。而這部電影最重要的弦外音就是這個，鼓勵每一個美麗的妳，追求自己燦爛的人生，切莫等到了遲暮，才後悔莫及。
《物怪》（물괴／Monstrum, 2018）在某種程度上很像《長城》（The Great Wall, 2016），但就劇情探討深度和動作場面來說，卻比《長城》精彩許多。
《物怪》的創作靈感來自於韓國史書《朝鮮王朝實錄》所記載的灼鼠之變，時空背景是在朝鮮中宗22年（西元1506年）。電影描述推翻燕山君王朝的中宗正經歷不穩定的政局態勢，他擔心朝中大臣因他推翻前朝而對他有二心，小心翼翼。在這樣的政局下，百姓謠傳山中有隻物怪，神出鬼沒以人為食，一傳十十傳百，人民的恐懼變成了憤怒，消息傳到了中宗耳裡，中宗勃然大怒，他認為物怪的傳言僅是反對派的大臣為了逼宮所釋放的消息，外在表現的不以為意，暗地裡派出精銳前往深山一探究竟。
在這樣的背景設定之下，《物怪》的前半段，文戲做的足，時空背景、人物設定與互動相當細膩。在物怪若有似無，不確定到底是存在還是有心人故弄玄虛的狀態下，人心惶惶導致朝內大臣們心機算盡的模樣，把政治操弄的手段一覽無遺，就算物怪沒有正式出現在觀眾的面前，也讓人深刻的感覺到了物怪的存在，而這物怪就是每一個內心醜惡的人們。前半段搜查隊上山調查物怪是否真的存在的橋段，便是在前半段文戲鋪陳後，匯集起來的第一波高潮。
『物怪並不存在於這個世界上，他只活在百姓的恐懼之中。』
雖然這句話出自片中的反派角色口中，但這一席話講的真的非常好，在這個社會上很多事情都會變成『物怪』，而只要人們的心裡出現了物怪，物怪就會吞噬人們的理性，以恐懼作為動力，驅使人們做出可怕的事情。何以很多事情會變成物怪呢？正是因為人們面臨『未知』，正因為未知的不可預知，『未知』本身就瀰漫著一股恐怖的力量，打破未知的最主要方式就是多聽多看，實事求是，正如電影中的搜查隊一樣，上了山便能知曉一切的恐懼是否其來有自。
又一年過去，在這個電影獎季，有一部電影引起了大眾的關注，博得好評，卻沒有在台灣院線上映直接發行了影碟。《黑色黨徒》（BlacKkKlansman, 2018）是《復仇》（Oldboy, 2013）導演史派克李（Spike Lee）最新執導作品，講述的是1970年代，一名黑人警探史塔爾沃斯（Ron Stallworth）為了阻止3K黨藉由種族歧視，主導仇恨，引發犯罪，透過報紙上的廣告與3K黨的幹部通電話，喬裝成同樣仇視黑人的白人，打探敵情，不料卻喬裝得太過成功，幹部們想與他見面，於是，他的猶太裔白人搭檔齊爾曼假裝是史塔爾沃斯出席會面，滲透黨徒集會，自此展開調查行動。
沒錯，你可能會想，怎麼又是一部種族議題的電影，但是在導演史派克李的巧手烹調之下，這部種族議題的電影化身成為警匪犯罪電影，輕鬆又快節奏的步調當中不乏趣味的台詞與情節，不若有些獎季中出現的電影，觀影的過程不會覺得嚴肅而沉悶。電影中由黑人滲透反黑人的白人組織，由猶太人參與反猶太人的白人組織，這樣的情節看起來似乎有些不可思議，有點像是小說故事的虛構發展，事實上，有趣的點就在這裡，這是真人真事改編的。
整部電影在描繪角色和他們的立場耗費了不少篇幅和巧思，有不少遊走在道德觀感邊緣的黑色幽默，卻都拿捏得恰到好處，是我認為這部電影在劇本上雕琢得漂亮的地方，劇中那些3K黨的成員們毫不掩飾的歧視字句，在那些就是要展露心中傲慢的場合中，向觀眾演示了過去美國白人社會的自視甚高，種族的優越感卻成了一種徽章，一種社會必要的幽默感。電影裡3K黨的領袖充滿極高的自戀感，並藉由『美國優先』期許他所帶領的『組織』能讓美國更好，某種程度上看來煽動，卻由內而外地顯現出了這個3K黨的恐懼和不安。
諷刺的是，讓美國更好這一類的話語，觀眾們並不陌生。當電影來到了尾聲，史派克李藉由真實社會的一些抗爭影片，讓虛實、過去與未來的交界越來越模糊，才發現原來這個社會看起來似乎有變得更好但其實是一直在原地打轉，當現任美國總統川普的影像出現在螢幕上，我們才赫然發現，原來史派克李一直在運用3K黨領袖的形象（無論是外在髮型、行為方式、或是內在思維）諷刺現任美國總統川普。影片突然之間從輕鬆詼諧的喜劇加重批判力道，從劇中的70年代，穿越時空，深深地打入了觀眾的心裡。
我很喜歡這部電影招集的演員群，從開頭充滿諷刺性的影片，讓亞歷鮑德溫（Alec Baldwin）用雲淡風輕但字句流露鄙夷的方式演繹，到兩位主角的表現，再再都讓人感到這些角色鮮明活著的感覺。飾演史塔爾沃斯的約翰大衛華盛頓（John David Washington），是奧斯卡影帝丹佐華盛頓（Denzel Washington）的兒子，承襲了他父親的好演技，演活了這位臥底的警察充滿勝券在握的自信和機智。《STAR WARS：原力覺醒》（Star Wars: Episode VII - The Force Awakens, 2015）的亞當崔佛（Adam Driver）在電影中飾演齊爾曼，一段段見招拆招，不動聲色卻餘波盪漾的表演，無疑是為電影增加許多跌宕起伏的主要功臣。
好久沒有看一場電影可以看得如此身心疲累，好像打了一場仗一樣。
《90分鐘末日倒數》（PMC: 더 벙커／PMC：The Bunker／Take Point, 2018）故事描述河正宇所飾演的隊長Ahab帶領一支傭兵部隊承接CIA秘密任務，準備在2024年美國總統大選之際綁架北韓政要，CIA此舉企圖反轉執政黨的頹弱聲勢，豈料當傭兵部隊挺進南北韓非軍事區的地下堡壘時，意外發現這任務是個陷阱，Ahab一行人中了埋伏，不僅遭到北韓攻擊，更因為任務曝光，被美國棄之如敝屣，眼看情勢相當危急，極有可能掀起世界大戰，Ahab該如何殺出一條血路，在封閉的地下碉堡中尋求一線生機呢？電影由《恐怖攻擊直播》導演金秉祐自編自導，並再次與河正宇合作，加入《咖啡王子1號店》的李善均一同演出。
關於這部電影的宣傳，我有許多的不解，首先關於中文片名的那個90分鐘，電影片長不是90分鐘，電影中所進行的任務為時也不只90分鐘，唯一可以解釋這90分鐘的，我想應該就是這位導演上部電影《恐怖攻擊直播》裡的內容。其次是那個末日，因為片名中的這個末日，讓我一直有他們會在地下碉堡打殭屍的錯覺。會有這樣的錯覺，我想跟預告片中的那個『科幻』的形容詞也有關聯，電影整體來說一點都不科幻，反而某種程度上有點真實，如果只是因為電影背景設定在2024年，我覺得可以強調近未來動作電影就可以了。但這些奇怪的片名翻譯和錯誤的期待，並不影響觀賞電影過程的快感，恩，不應該說是快感的，應該用精采來形容，為什麼不應該用快感來形容呢，因為這部電影會讓人看得很累，這一句是稱讚的意味。
《90分鐘末日倒數》提供了峰迴路轉而且有點複雜的故事，再加上透過非常明快的節奏呈現出在碉堡中封閉而四面楚歌的絕望感，在一場場幾乎沒有什麼給予觀眾喘息空間的動作戲當中，善用跟拍鏡頭和第一人稱的視角，更是讓人好像身臨其境般的觀影感受，看完這部電影你不僅需要動個腦筋去思考劇情現在走到哪個局勢，你還會有跟著在碉堡裡打了場仗的感覺，真的會有上氣不接下氣的疲累，如果我是河正宇飾演的那個Ahab，我可能就站在原地等待敵人給我一槍痛快（到底是有多麼厭世這樣）。不過換個角度想，這部電影或許堪稱韓國版本的《不可能的任務》，主角威能開到一個極致，甚至到有點浮誇的程度，動作場面也極為精彩無冷場，值得用大銀幕來好好端詳感受。
貼心的小叮嚀，電影的約莫前20分鐘，務必不要遲到，而且必須專心觀賞，不要管你手上的爆米花了，仔細看看開頭交代的這個虛構的時代背景、多國關係和人物立場，過了這20分鐘，後面開始大大小小的動作戲碼，會快到讓你不及反應現在打過來的是誰，又主角和長官為什麼會有這樣的決定，如果你前面忽略掉了一些脈絡，後面肯定會有點無助。不過，即使這樣，還是一樣精采，一樣可以享受在動作戲裡的。
2006年的科幻電影《人類之子》（Children of Men, 2006），在今日看來不但沒有不合時宜，甚至某種程度上更預言了一些事情，電影中的部分未來已然降臨，部分未來仍然未來，也讓這部電影變得充滿省思和批判力道，同時讓人期待未來也畏懼未來，電影因而迷人，蔚為經典。導演艾方索柯朗（Alfonso Cuarón）在拍完《哈利波特：阿茲卡班的逃犯》（Harry Potter and the Prisoner of Azkaban, 2004）後，投入這部改編自英國小說家P·D·詹姆士（P.D. James）於1992年所著同名小說的《人類之子》，在台灣雖然沒有因為《哈利波特：阿茲卡班的逃犯》的關係讓觀眾更加注意到這位導演的才華（甚至這部片沒有正式上映），但是《人類之子》卻是你一生中不能沒有看過，甚至必須反覆觀賞的電影，因為這部電影在不同時間觀賞會有不同感觸。
《人類之子》的故事設定在2027年，人類陷入了滅種危機，已經將近18年沒有新生兒誕生於世，在恐慌蔓延的社會氛圍中，歐洲人湧入英國迫使英國形成鐵腕政治。就在人生毫無希望之時，男主角西歐（克里夫歐文飾演）接收到了訊息要保護一名女子前往『人類專案計畫』的保護船，原因無他，就是因為這名女子懷孕了，而這名嬰兒將會是延續人類生命的新希望。
在12年後的今日重新觀賞《人類之子》，會發現和現實社會的某些發展類似，類似到讓人有些不寒而慄。例如電影中人類已經近18年沒有新生兒這件事情，雖然現實中還沒有出現這個問題，甚至地球人口過剩仍然還是最主要的議題，但是全球少子化和不孕症的人口比例上升，似乎就是和電影情節雷同的警訊。更有甚者，電影中所描繪的英國類似鎖國脫離歐洲的作為以及大批難民湧入的場景，都不難讓人聯想到英國在2016年發動的脫離歐盟公投以及2010年開始的歐洲難民危機，電影裡難民們逃難和遭受到欺壓逮捕的畫面，和現實的歐洲相去不遠。
而讓這部科幻電影那麼寫實的原因，不只是預言了未來世界的部分樣貌，還有這部電影在技術層面的努力。導演艾方索柯朗堅持在實際的倫敦街頭拍攝，是這部電影親近觀眾的最主要原因，導演所認為的2027年並不是像《銀翼殺手》（Blade Runner, 1982）那樣，磁浮列車在空中穿梭，霓虹招牌在城市中閃爍，反而在《人類之子》中創造了和現今社會差不多的場景，加上一些特效點綴的近未來產物，例如動態電子看板等，但是你可能也發現了，動態電子看板在2018年的現在已經可以在部分街頭發現，因此《人類之子》所創造的未來是觀眾感受得到的未來，也因為感受得到，劇情所講的就更為真實。
另一方面，已經被讚譽到不行的長鏡頭應該就不需多言，這些長鏡頭在電影中發揮的效用，就是在不知不覺之間，將觀眾吸入到主角發生事件的場域，進而讓觀眾成為電影的一部分，就好比開場那段買咖啡的戲碼，在短短的幾分鐘之內，導演和攝影就透過畫面把觀眾的眼睛鎖定。而進入到電影裡的觀眾，就會隨著主角西歐感受到濃濃的憂鬱氛圍，覺得世界在一夕之間變得無望。
